Kad se spomene kultni bend Oasis, svako ko je odrastao devedesetih, neovisno o tome da li je bio sklon zvuku rock’n’rolla, ili tačnije britpopa, osjeti dašak nostalgije.
Kad su Oasis prošle godine najavili svoju reunion turneju nakon 15 godina separacije, potresao se internet. Ali nije samo generacija X (oni koji su zapravo proživjeli mančestersku rock-maniju 90-ih) bila u stanju delirijuma. Generacija Z, od kojih mnogi nisu napravili svoje prve korake ili se čak nisu rodili kada je izašao debitantski album benda 1994. godine – Definitely, Maybe – bili su jednako oduševljeni prilikom da konačno uživo vide najveći svjetski rock bend.
Nakon slušanja sad već legendarnog album benda Live at Knebworth iz 1996., može se doći do zaključka da su čak i više od desetljeća nakon njihovog raspada, uglavnom uzrokovanog konfliktom braće Gallagher, predanost i privlačnost benda ostali čvrsto netaknuti – u ovom slučaju neodoljivi za dvadesetogodišnjake.
„Oasis je toliko autentičan, prepoznatljiv i abrazivan bend… što je privlačnost u eri u kojoj je sve super uglađeno i masovno“, objašnjava muzička novinarka iz Los Angelesa i kulturna kritičarka generacije Z, Reanna Cruz. U eri isječaka pjesama s TikToka i bubblegum popa koji proizvode izdavačke kuće, generacija Z naviknuta je konzumirati muziku u velikom mutnom viru zvuka do kojeg se dolazi sada već ustaljenom opcijom prelistavanja na smartphonima. Braća Gallagher, sugerira Cruz, nude nešto posve drugačije. „Pred sobom imamo iznimno talentiranu braću koja su bez filtera. Historijski gledano, uvijek nađu razlog za svađu sa svima, čak i međusobno. Vokali benda imaju oštrinu, tonovi gitare su malo nazubljeni, za razliku od puno rock muzike koja kao pokušava da bude korektna u 2025. godini.“
Primjetno je da u mainstream popularnoj kulturi duže vrijeme uveliko nedostaje prizemljenih, jednostavnih rock bendova. ”Povratak Oasisa budi taj neuron u svačijem mozgu – posebno mladih obožavatelja koji su raspoloženi za pravi zvuk.”
Ista generacija je kostimografiju Liamove i Noelove prepoznatljive estetike pretvorila u valutu za društvene medije. Neprolazni stil benda može se uočiti od Brooklyna do istočnog Londona, s dvadesetogodišnjacima koji se utapaju u tamnoplavim trapericama, oživljavajući Britpop stil u svakodnevnom odijevanju. Njihov dobro poznati stav koji rijetko kome ostavlja pardona nije nešto što možete kupiti – ili algoritamski obraditi.
Na večeri dva uzastopna rasprodana koncerta na stadionu MetLife u East Rutherfordu, New Jersey, Oasis je više nego ispunio desetljeća potisnutih očekivanja. Publika je bila naglašeno višegeneracijska, pri čemu su gotovo svi nosili Oasis-ov merch.
Bezvremene hitove poput ‘Cigarettes & Alcohol’ i ‘Roll With It’ pratilo je 70.000 glasova svih dobi i naglasaka.
Sa prvim povratničkim koncertom, grupa Oasis kao da nastoji razbiti mit o tome kako na svjetskoj sceni već dugo nema kvalitetne muzike i da su dobre stvari samo relikti prošlosti koji ekskluzivno pripadaju starijim generacijama i prohujalim vremenima. Svakako, ovim se dokazuje i istančani muzički ukus generacije čije vrijeme tek dolazi.
Ušli smo u odaje odaliske, robinje turskog harema. Odaliska je bila sobarica koja je radila u izdvojenim prostorijama u kojim su obitavale supruge i konkubine osmanskog sultana.
Iako bi našu savremenu tačku promatranja mogla uznemiriti ova naga žena – možda ne sama golotinja koliko voajeristički pogled koji golotinja implicira – teško je ne uživati u ambijentu: raskošna sofa, lepeza od paunovog perja, svjetlucava plava zavjesa koja visi s desne strane i njiše se u blagom svjetlu, uravnotežena sjajnom žutom tkaninom u donjem lijevom uglu koja je naborana sa stotinu nabora.
La Grande Odalisque (1814), Jean-Auguste-Dominique Ingres. Ulje na platnu. 162 × 91 cm. Muzej Louvre, Pariz, Francuska
Ili dugačka lula za pušenje koja šalje spirale bogatog mirisa u zrak, ukazujući na zatvoreno područje užitka, prepuštanja i napuštanja svjetovnih briga.
Zamišljeni svijet koji nam nudi francuski umjetnik Jean-Auguste-Dominique Ingres u svojoj interpretaciji teme osmišljen je da bude opojan, fascinantan, primamljiv i umjereno opasan: jednom riječju, „egzotičan“.
Slika prikazuje krajnje intimno okruženje. Umjetnik je postigao ovaj osjećaj postavljanjem prednjeg plana elegantnih plavih i luminiscentnih zlatnih tonova na debelu, crnu poput tinte pozadinu. Sve površine pred nama oslikane su izvanrednom opipljivošću, ne samo realistično, već i blago, magnetski, bez trenja i hiper-lucentno.
Izduženi oblik
Njen pogled se proteže s platna, laskajući promatraču, očigledno pokušavajući ga zavesti. Njen pogled kao da traži naše odobravanje, svodeći samu sebe na objekt estetske i erotske kontemplacije.
Mnogi komentatori, uključujući i najraniju publiku koja je vidjela sliku kada je prvi put izložena u pariškom Salonu 1819. godine, primijetili su nerealan oblik ženskog tijela. Što više gledate, to ga više uočavate. Njena kičma je preduga (prema nekim procjenama ima čak četiri dodatna pršljena), a njena izdužena desna ruka jedva da ima lakat. A gdje joj je kuk? Ne možemo pretpostaviti da je to mjesto gdje joj se torzo savija, s obzirom na udaljenost od desnog dijela stražnjice.
Detalj ‘La Grande Odalisque’ (1814), Jean-Auguste-Dominique Ingres. Ulje na platnu. 162 × 91 cm. Louvre, Pariz, Francuska. Uređeno od strane autora teksta.
Da li su ove anatomske netačnosti zaista važne? Zapravo, mislim da igraju ključnu ulogu u široj strukturi slike. Primijetite, na primjer, kako se linija njenog nosa savršeno spaja sa silazećim ramenom i ispruženom rukom, formirajući vijugavu krivulju.
Ili primijetite trokutastu formaciju njenih leđa stvorenu posebnim položajem njenih ramena. Ove anatomske manipulacije bile su namjerne od strane umjetnika, osmišljene da pomognu u guranju slike prema nečemu idealiziranijem, čak i pomalo nestvarnom.
Detalj Parmigianinove slike Madonna dal Collo Lungo (1534- 40). Ulje na panelu. 219 × 135 cm. Galerija Uffizi, Firenca, Italija
Ingres nipošto nije bio prvi slikar u historiji umjetnosti koji je preuveličavao tjelesne proporcije kako bi postigao određeni efekat. Kasnorenesansni pokret poznat kao manirizam bio je sklon preuveličavanju kvaliteta ljepote i harmonije, što je često rezultiralo kompozicijama u kojima su rastegnuti vratovi i nevjerovatno uvijeni udovi bili uobičajeni. Namjera je često bila ista: pogurati tijelo izvan granica naturalizma kako bi moglo nositi veći emocionalni ili estetski naboj.
Između dva stila
Gdje smjestiti sliku poput Velike odaliske u historiji umjetnosti? Kako je shvatiti?
Naslikana 1814. godine, slika se proteže kroz dvije tradicije. Ovo je bilo doba neoklasicizma, kada su umjetnici – posebno oni iz Francuske – nastojali stvoriti umjetnička djela koja su oživjela mnoge teme starogrčke i rimske umjetnosti: stavljajući naglasak na ravnotežu, harmoniju i neku vrstu plemenite strogosti.
Ingres je bio učenik neoklasicističkog slikara Jacquesa-Louisa Davida, koji je oko 14 godina ranije naslikao ovaj portret francuske pripadnice visokog društva Madame Récamier – sliku koja je poslužila kao direktna inspiracija za Ingresa.
Lijevo: La Grande Odalisque (1814) Jean-Auguste-Dominique Ingres. Ulje na platnu. 162 × 91 cm. Louvre, Pariz, Francuska. Desno: Portraite de Madame Récamier (1800) by Jacques-Louis David. Ulje na platnu. 174 × 244 cm. Louvre, Pariz, Francuska
Primijetit ćete kako dvije slike dijele istu osnovnu pozu: ispružene noge, lijevi lakat oslonjen na jastuke, ispružena desna ruka i okrenuta glava dok baca pogled preko desnog ramena.
Ingres nipošto nije bio prvi slikar u historiji umjetnosti koji je preuveličavao tjelesne proporcije kako bi postigao određeni efekat. Kasnorenesansni pokret poznat kao manirizam bio je sklon preuveličavanju kvaliteta ljepote i harmonije, što je često rezultiralo kompozicijama u kojima su rastegnuti vratovi i nevjerovatno uvijeni udovi bili uobičajeni. Namjera je često bila ista: pogurati tijelo izvan granica naturalizma kako bi moglo nositi veći emocionalni ili estetski naboj.
U Davidovoj slici postoji i osjećaj trezvenosti i rezerviranosti – možda bismo danas koristili riječi “formalno” ili minimalističko.
Ingresova slika nosi mnoge iste karakteristike: površina je mirna i hladna, linije su oštre, a sjene savršene, kao i nevjerovatna pažnja posvećena tonu ženske kože i teksturama tkanina koje vise i obavijaju je.
Ipak, nešto drugo se dešava u Ingresovoj slici. Koliko god da je crpio inspiraciju iz Davida, njegovo slikarstvo odaliske se također udaljava od neoklasicizma i prema novoj umjetničkoj formi: romantizmu.
Romantizirani orijentalizam
Romantizam je bio svojevrsni protuodgovor na racionalni način razmišljanja neoklasicističke ere, koji je u sebi nosio implicitno slavljenje koherentnog reda.
Ovo je bilo vrijeme u evropskoj historiji kada je sve više umjetnika i pisaca putovalo izvan svojih zemalja, često na teritorije gdje su kolonijalne sile uspostavile imperijalno prisustvo. Dok su engleski slikari 19. stoljeća odlazili u kolonijalnu ispostavu Indiju, francuski slikari istraživali su Sjevernu Afriku, posebno Egipat, Alžir i Maroko.
Godine 1809. francuska vlada objavila je Opis Egipta (Description de l’Égypte) (1809–22), pregled arhitekture, spomenika, stanovništva i divljih životinja Egipta u dvadeset četiri toma. To je bilo djelo koje je imalo dubok utjecaj na francusku dekorativnu umjetnost i arhitekturu tog perioda.
Orijentalizam na svom vrhuncu: Molitva u Kairu (1865) Jean-Léon Gérôme. Ulje na platnu. 50 × 81 cm. Hamburger Kunsthalle, Hamburg, Njemačka
Ova podkategorija romantizma postala je poznata kao “orijentalizam” – termin koji se danas smatra problematičnim zbog svođenja složenih društava na egzotične scene senzualnosti, nasilja ili misterije, s implicitnom pretpostavkom zapadne superiornosti nad kulturama koje prikazuje.
Ova podkategorija romantizma postala je poznata kao “orijentalizam” – termin koji se danas smatra problematičnim zbog svođenja složenih društava na egzotične scene senzualnosti, nasilja ili misterije, s implicitnom pretpostavkom zapadne superiornosti nad kulturama koje prikazuje.
Ipak, tokom 19. stoljeća, pa čak i do danas, osjećaj “egzotičnog” u ljudima, pejzažima i arhitekturi Bliskog istoka i Sjeverne Afrike fascinirao je umjetnike. U Francuskoj su slikari poput Eugènea Delacroixa, Jean-Léona Gérômea i Theodorea Chasseriaua bili posebno oduševljeni.
Ingresovo slikarstvo crpilo je iz ovog orijentalističkog žara. Zanimljivo je primijetiti da nikada nije putovao u osmanlijsku Tursku niti na Istok, ali Ingresovu maštu podsticala je slika koju je proizvodila orijentalistička energija.
Sliku je naručila kraljica Caroline Murat, kraljica Napulja, a ujedno i sestra Napoleona Bonapartea. Nastala je u Rimu, gdje je Ingres živio nakon što je završio stipendiju na Académie de France. Danas se slika nalazi u Louvreu u Parizu. Ona ostaje zbunjujući predmet ljepote: istovremeno suptilna izmišljotina iz umjetnikove mašte i evokativna insinuacija ljudskog poriva za donkihotovskim zadovoljstvom.
DEVET RASPRODANIH KONCERATA, GOTOVO 2000 POSJETITELJA I POTVRDA DA SEVDALINKA ŽIVI KROZ TRADICIJU I NOVE KONTEKSTE
(Sarajevo, 27. avgust 2025) Večerašnjim devetim koncertom u Svrzinoj kući zvanično se završava ljetna koncertna serija „Sevdah Damira Imamovića u Svrzinoj kući“, koja je tokom jula i augusta publici donijela jedinstveno iskustvo muzičke baštine u srcu Sarajeva. Ovaj projekat spojio je tradiciju i savremenost kroz prostor nacionalnog spomenika Bosne i Hercegovine, gdje su se svake srijede smjenjivale priče, emocije i vrhunske muzičke interpretacije.
Federalna ministrica okoliša i turizma, Nasiha Pozder, istakla je da ovakve manifestacije imaju poseban značaj za turizam u Bosni i Hercegovini. „Ovo su događaji koji prave razliku kada je u pitanju turizam u našoj zemlji. Mislim da smo svi uživali u interpretaciji Damira Imamovića i zaista samo imamo riječi hvale za ono što je učinjeno. Postignuti rezultati su impozantni, a događaji poput ovog produžuju sezonu i donose nove sadržaje i nama i turistima“, kazala je Pozder te dodala da više od pet miliona KM zahtjeva za podršku sadržajima iz oblasti turizma u Federaciji koje su pristigle na ovogodišnji javni poziv, pokazuju da interesa ima i da imamo šta ponuditi.
Direktorica JU Muzej Sarajeva, Indira Kučuk Sorguč, naglasila je da ovaj projekat nadilazi okvire običnog događaja i donosi novu vrijednost kulturnom životu Sarajeva. „ Ova dva mjeseca bila su posebna i mislim da su to osjetili svi oni koji su došli kao publika. To je bilo prenošenje duha, sevdaha i nematerijalne baštine. Kada sam listala arhivu Muzeja, shvatila sam da se ništa slično ovome ranije nije radilo. Ovaj događaj je originalan, autentičan i osebujan. Na koncertima smo se mogli uvjeriti da Damir nije samo vrhunski interpretator nego i storyteller, autor i profesor. Za sve nas koji smo učestvovali u ovom projektu značajno je da smo ovom koncertnom serijom kreirali novu vrijednost“, rekla je Kučuk Sorguč te dodala da vjeruje da će JU Muzej Sarajeva nastaviti ovakve projekte i da će oni postati tradicija, a da će sevdalinka kroz permanentno izvođenje u ovom prostoru dobiti pravo i zasluženo mjesto.
Direktor Fondacije Sarajevo Navigator, Nedim Lipa, istakao je da rezultati projekta potvrđuju njegov značaj i opravdanost. „Na koncertima je prisustvovalo 1988 posjetitelja, od čega je 1488 ulaznica prodato u Bosni i Hercegovini, a 678 u Sarajevu. Više od 544 posjetitelja stiglo je izvan BiH. Kada se pogleda ukupna struktura, otprilike po trećina publike činili su posjetitelji iz Sarajeva, ostatka BiH i inostranstva. Ukupno smo imali devet rasprodanih koncerata, a posljednja dva koncerta su rasprodana čak 20 dana prije njihovog održavanja“, naveo je Lipa te dodao da je ovo bila prava stvar u pravo vrijeme i na pravom mjestu i tako svojevrsan povratak sevdaha kući.
Autor i interpretator sevdalinke, Damir Imamović, naglasio je da je Svrzina kuća jedinstven prostor u kojem tradicija prirodno oživljava. „Hvala svima koji su dali svoj doprinos i podržali ovaj projekat. Ima prostora u koje, kada uđeš, odmah ti se svira, a Svrzina kuća je upravo taj prostor. Turizam je oduvijek bio vodič u prezentaciji lokalne kulture – kada nam dođu gosti, uvijek nastojimo da se predstavimo u najboljem svjetlu. Realno, publika nigdje ne preferira najtradicionalniju muziku, ali tradicija opstaje i živi upravo zato što interesuje goste i turiste. Ovaj projekat je promocija tradicionalne muzike ovih prostora, ali je ujedno i eksperiment, jer tradiciju treba izazivati i stavljati u nove kontekste da bismo kreirali novu vrijednost“, kazao je Imamović te istakao uvjerenje da je ovim projektom stvoreno nešto vrijedno i dugotrajno, iza čega stoji iskrena namjera, dok krajnji cilj nije materijalan.
Projekat je realiziran u saradnji Fondacije Sarajevo Navigator i JU Muzej Sarajeva, uz podršku Ministarstva civilnih poslova BiH, Federalnog ministarstva okoliša i turizma, Ministarstva kulture i sporta Kantona Sarajevo, Grada Sarajeva, Općine Stari Grad, Mastercarda, Klasa i Međunarodnog aerodroma Sarajevo.
Leonardo da Vinci je naslikao Svetog Ivana Krstitelja oko 1516. godine. Figura kao da se materijalizuje, možda čudesno, svakako enigmatično, iz duboko crne pozadine.
Efekat se postiže tehnikom koju je Leonardo pionirski osmislio: namjernim omekšavanjem linija i kontura tako da se čini da se figura stapa sa – ili u ovom slučaju, iz – tame.
Svjetlost na slici ima odmjerenu kvalitetu, onu vrstu treperavog sjaja koji podsjeća na svjetlost svijeće. Sjene su postepene; prelaze iz svjetla u tamu samo spokojno, čak i oklijevajući.
Šta nam Leonardo signalizira kroz ovo izblijedjelo svjetlo? Zašto je odlučio dati slici ovaj poseban, kriptični osjećaj?
Nastanak sfumata kao slikarske tehnike
Većina nas je upoznata s barem nekim Leonardovim slikama. Njegove slike obično imaju dašak maglovite nejasnoće, posebno kasnija djela.
Upravo ta maglovita kvaliteta leži u osnovi čuvene ambivalentnosti Mona Lize. Neodređeno kretanje njenih očiju i drhtave sjene njenog osmijeha omogućene su tehnikom slikanja poznatom kao sfumato.
Detalj ‘Portreta Mona Lise del Giocondo’ (cca.1503–6) Leonarda da Vincija. Ulje na drvetu. 77 × 53 cm. Muzej Louvre u Parizu, Francuska
Mnoge Leonardove slike imaju istu sugestivnu atmosferu. On je opisao sfumato kao „bez granica ili ograničenja, poput dima ili izvan žarišne ravni“. Riječ se na engleski prevodi kao mekano, nejasno ili zamagljeno, a potiče od italijanske riječi fumo („dim“, „para“).
Efekat je postignut nanošenjem slojeva tankih glazura uljane boje, jedne na drugu, kako bi se kontinuirano omekšale sjene i rubovi. Leonardo je težio korištenju ujedinjenog raspona boja srednjih tonova – posebno zemljanih boja, plavih i zelenih – sa sličnim nivoima zasićenosti, kako bi dodatno uskladio svoje slike.
Kao naučnik, Leonardo je proveo opsežna istraživanja efekata svjetlosti i boja.
Na primjer, njegova istraživanja optike dovela su ga do razumijevanja perspektive udaljenosti: to jest, kako iste boje mogu izgledati drugačije ovisno o njihovoj blizini. Blijedoplave nijanse njegovih planina u Portretu Mona Lise del Giocondo rezultat su takvih istraživanja.
Leonardova dostignuća bila su značajan razvoj u povijesti slikarstva, jer su umjetnicima pružila sredstva da bolje predstave volumetrijske figure – predmete i ljude sa stvarnim osjećajem za formu – postižući veći intenzitet i karakter.
Lijevo: Dama sa hermelinom (1483–90) Leonardo da Vinci. Ulje i tempera na panelu. 54.8 × 40.3 cm. Nacionalni muzej, Kraków, Poljska. Desno: Portret muškarca (cca.1450) Andrea del Castagno.Tempera na panelu. Nacionalna galerija umjetnosti, Washington, D.C., SAD.
Da biste uočili učinkovitost sfumato metode, uporedite Leonardovu sliku “Dama s hermelinom”, završenu 1490. godine, sa slikom “Portret muškarca” Andree del Castagna, naslikanom oko 1450. godine.
Dok je Castagnovo modeliranje oštro i visoko definirano, “Dama s hermelinom” donosi potpuno novu psihološku složenost kroz suptilno uzorkovanje svjetlosti i sjene. Kao i kod mnogih svojih djela, Leonardo je izbjegavao najintenzivnije boje spektra, preferirajući prigušenu paletu kako bi slika ostala ujednačena – dajući Castagnovoj slici pomalo blistav izgled u poređenju.
Ples svjetla i tame
Razvoj sfumata temelji se na principu kjaroskura, upotrebe snažnog kontrasta između svjetla i tame za stvaranje dubine.
Vraćajući se na sliku Ivana Krstitelja, slika ne samo da koristi meke tragove sfumata, već i pokazuje Leonardovu upečatljivu upotrebu kontrasta svjetla i sjene općenito kako bi naglašenije definirala trodimenzionalni oblik. Primijetite, primjerice, namjerno postavljanje ispružene ruke i uprtog prsta direktno na najtamnije područje platna.
Sveti Ivan Krstitelj (cca.1513–16) Leonardo da Vinci. Ulje na drvetu. 69 × 57 cm. Muzej Louvre, Pariz, Francuska.
Kroz atmosferu koju stvaraju sfumato i kjaroskuro, Leonardo je odlučio prikriti zemaljske atribute Ivana Krstitelja: činjenicu da je živio u pustinji i nosio košulju od dlake. Na ovoj slici, on je nesumnjivo božanski, s nježnim tonovima kože i gotovo androginim izgledom.
Jedan od načina da se doživi efekat je da se on vidi kao komunikacija religijskog sadržaja slike, naglašavajući božanski sjaj Ivana Krstitelja – čak sugerirajući metaforičku bitku svjetla i tame.
Kroz atmosferu koju su stvorili sfumato i chiaroscuro, Leonardo je odlučio prikriti zemaljske atribute Ivana Krstitelja: činjenicu da je živio u pustinji i nosio košulju od dlake. Na ovoj slici, on je nesumnjivo božanstven, s nježnim tonovima kože i gotovo androginim izgledom.
Jedan od načina da se doživi ovaj efekat jeste da se vidi kao komunikacija religijskog sadržaja slike, naglašavanje božanskog sjaja Ivana Krstitelja – čak sugerirajući metaforičku bitku svjetla i tame.
Salvator Mundi (c.1500) Leonardo da Vinci. Ulje na drvetu. 65.6 × 45.4 cm. Louvre Abu Dabi, Ujedinjeni Arapski Emirati
Isti efekat je korišten u njegovom djelu Salvator Mundi, u kojem sfumato potezi kistom – posebno na licu – ističu dvosmislenost između fizičkog i metafizičkog. Zaista, u mnogim njegovim slikama, tijelo i duh su namjerno udruženi, dajući tako njegovim figurama nedokučiv, možda čak i čudesan kvalitet.
Leonardov jedinstveni pristup slikarstvu također bi trebao skrenuti pažnju na važan aspekt svih slika: da je način na koji je slika zapravo napravljena – ključan za način na koji ona komunicira.
Leonardovom sfumato tehnikom, njegove slike postižu kriptičnu privlačnost koja traje stoljećima kasnije.
Stellar Boutique Modules, najnoviji hotel brenda Maistra City Vibes, sada je i zvanično predstavljen javnosti.
Jedinstveni konceptualni hotel iza kojeg stoji Maistra Hospitality Group, u saradnji s arhitektonskim Studijem UP i multimedijalnim umjetnikom Silvijem Vujičićem, krasi unikatan interijer, kojega uz bar, prate i mali skriveni vrt te ekskluzivni rooftop. Otvorenje urbane oaze u Vlaškoj ulici u centru grada obogatio je i nastup najpoznatijeg electro-pop banda Nipplepeople, koji su rasplesali sve okupljene.
Stellar Boutique Modules, s 48 moderno opremljenih soba i modula inspirisanih svemirom, novi je dodatak zagrebačkoj hotelijerskoj sceni.Sobe nude kompletno iskustvo personaliziranog boravka. U prizemlju hotela nalazi se bar Restaurora Barealis, koji će privlačiti, kako goste hotela, tako i sve one željne dobre atmosfere uz ukusne zalogaje i koktele.
„Otvorenje Stellar Boutique Modules nije samo predstavljanje novog hotela, već doprinos redizajniranju savremenog identiteta Zagreba kao metropole koja živi urbanu kulturu i arhitektonske inovacije. Ovim projektom želimo povezati dizajn, umjetnost i svakodnevicu, stvarajući prostor koji istovremeno odgovara na potrebe današnjih putnika i lokalne zajednice. Zagreb je grad s velikim potencijalom, ne samo u turističkom, već i u kreativnom smislu, i drago nam je što smo u prilici aktivno sudjelovati u njegovoj transformaciji. Stellar se savršeno uklapa u naš Maistra City Vibes brend, koji je autentičan, urban i nudi sadržaje za goste ali i Zagrepčane“, istaknuo je Tomislav Popović, predsjednik Uprave Maistre.
Stellar Boutique Modules dio je brenda Maistra City Vibes, koji okuplja hotele s jasnim fokusom na savremeni gradski život i personalizirana iskustva. Svaka od 48 soba oblikovana je kao prostorna kapsula, u potpunosti monokromatska, izrađena iz jedinstvenog materijala i zamišljena kao prostor odmaka od svakodnevice. Umjetnička djela na stropovima, autorski su rad multimedijalnog umjetnika Silvija Vujičića, te prema njegovim riječima vizualiziraju tijela oslobođena gravitacije, dodajući prostoru dimenziju tišine, refleksije i kontemplacije.
Rooftop terasa nudi jedinstven pogled na grad, stvarajući idealno mjesto za opuštanje, druženje ili rad u intimnom ambijentu. Osim pogleda, rooftop je odlična lokacija za privatne evente i proslave. Gastronomska ponuda hotela osmišljena je kroz inovativni all-day eatery koncept koji se prilagođava tempu suvremenih putnika. Gosti mogu uživati u à la carte doručku, laganim zalogajima tokom dana te grab and go opcijama, idealnima za one koji žele dan provesti u istraživanju grada. Bez obzira traže li brz zalogaj, miran kutak za kafu ili mjesto za večernje opuštanje, ponuda hotela oblikovana je tako da odgovara i najdinamičnijem urbanom ritmu.
Maistra Hospitality Group svoj rast temelji na promišljenom razvoju destinacija, prepoznavanju potreba modernih putnika i implementaciji savremenih, održivih i autentičnih hotelskih koncepata.
“Naprstak crvene boje je crveniji od kante pune crvene.”
Kao i svi dobri aforizmi, tako i ovaj, koga je navodno izgovorio francuski umjetnik Henri Matisse, sadrži naznake i poezije i paradoksa.
Mislim da je Matisse imao na umu da ponekad manja doza može biti moćnija od veće, i da bi previše nečega (čak i dobroga) – moglo čak razvodniti iskustvo.
Međutim, njegov aforizam nije bio poziv na slikarsku suzdržanost: Matisse nikada nije bježao od blistave boje. Njegove slike blješte nesputanim bojama – poput netom razrezanog nara.
Harmonija u crvenom (Crvena soba) (1908), Henri Mattise. Ulje na platnu. 180 × 220 cm. The Hermitage Museum, St. Petersburg.
Mislim da je to više bio njegov poziv da se cijene manji detalji. Ideja da bi naprstak crvene boje mogao biti intenzivniji od pune kante je namjerno usmjeravanje pažnje na suptilne naglaske koji se lako previde. Ako možemo uživati u pikantnom zalogaju, ili u trenutku, onda bi naš susret sa svijetom utoliko mogao biti bogatiji.
Skloni smo zaboraviti ove važne uvide jer je veliki dio naših modernih života usmjeren na veće, bolje i više.
Unutarnje i vanjske refleksije
Što sam više čitao o Matisseu, to sam više shvaćao da je njegov pristup umjetnosti bio sveobuhvatan, neodvojiv od njegovog pristupa bivanju u svijetu, uključujući i njegov pogled na sebe:
“Trebali bismo promatrati sebe s istom radoznalošću i otvorenošću s kojom proučavamo stablo, nebo ili misao, jer smo i mi povezani s cijelim svemirom.”
Njegov stav i prema umjetnosti i prema životu bio je rezultat pažljivog razmatranja, pomiješan s čuđenjem. Upravo to stjecanje znanja omogućilo mu je tako slobodno eksperimentiranje.
“Umjetnik mora posjedovati Prirodu. Mora se poistovjetiti s njezinim ritmovima i to naporima koji će izroditi majstorstvo koje će mu kasnije omogućiti da se izrazi vlastitim jezikom.”
Gornji citat preuzet je iz pisma koje je napisao pripremajući se za izložbu svojih radova koja će se održati u Philadelphiji kasnih 1940-ih, u zreloj fazi njegove karijere. U istoj korespondenciji izrazio je zabrinutost zbog učinka na mlade umjetnike kada su vidjeli njegov rad i otkrili očitu “nemarnost” u njegovoj brzoj i površnoj izvedbi:
“Uvijek sam pokušavao sakriti vlastite napore jer sam želio da moji radovi imaju lakoću i radost proljeća koje nikome ne dopušta da posumnja koliko je truda koštalo.”
Plašio se da bi se mladi slikari mogli „uputiti kraticom“, izbjegavajući potrebne godine umjetničkog razvoja, krivo zamišljajući da slikaju “od srca” i da je postati umjetnik lako ostvarivo odredište. On je to ovako sažeo:
“(Ovaj) spor i bolan rad je neophodan.”
Fenêtre ouverte, Collioure (1905), Henri Matisse. Ulje na platnu. 55.3 × 46 cm. National Gallery of Art, Washington, D.C.
Harmonije
Matisse je imao mnogo toga za reći o izražajnoj snazi umjetničke slike, a istraživanje tog deskriptivnog potencijala smatrao je svojim životnim djelom.
“Umjetničko djelo treba biti skladno u svojoj cjelini; jer bi suvišni detalji, u umu promatrača, zadirali u bitne elemente.”
Upravo je to balansiranje očaralo mnoge umjetnike od 19. stoljeća naovamo, ponajviše impresionističke slikare. Njihova spremnost da potaknu umjetnost sveukupnog jedinstva nauštrb detalja oslobodila je mnoge umjetnike koji su došli nakon njih – među kojima je bio i Matisse.
Boja je bila njegov najvažniji alat. Jedan citat savršeno pokazuje njegov stav prema boji:
“Od trenutka kada sam u rukama prvi put držao kutiju s bojama, znao sam da je ovo moj život. Bacio sam se u njega poput zvijeri koja srlja prema onome što voli.”
Kao i:
“Jedan ton je samo jedna boja, dva tona su akord, to je život.”
Ovdje Matisse ne samo da povlači paralelu između nereprezentativnog slikarstva i muzike – kao što su to činili mnogi umjetnici njegova vremena – već je u dvije kratke riječi također proširio ideju harmonije boja na filozofiju postojanja (“to je život”).
Une Rue À Arcueil (1903–1904), Henri Matisse. Ulje na platnu. 47 × 55.3 cm
Ipak, najviše od svega, mislim da nam ova izjava o boji mnogo govori o njegovom pristupu umjetnosti. Za Matissea, izražajna moć slikarstva leži u njegovoj sposobnosti da izgradi panoramu tonskih okusa – polifoniju impresija boja. Ključno za Matissea, postojala je još jedna važna strana slikarstva, pa i života, naime sposobnost pronalaska ljepote u svemu na što naiđemo. Rekao je to dosta poetičnije:
“Uvijek ima cvijeća za one koji ga traže.”
Ako ovaj citat počinje nagovještavati duhovni aspekt Matisseova gledišta, onda ga sljedeći citat pojašnjava.
“Ne znam vjerujem li u Boga ili ne. Mislim, doista, da sam neka vrsta budista. Ali bitno je staviti se u stanje uma koje je blisko onom kada se molimo.”
Henri Matisse, Pariz, 13. maj 1913. Foto Alvin Langdon Coburn
Sviđa mi se ovakvo razmišljanje. Mislim da je u skladu s Matisseovim pristupom da ga tačna definicija njegove duhovnosti nije ni zanimala. Umjesto toga, tražio je osjećaje, te nemjerljive aspekte bivanja koji bi mogli dovesti do istine koja se jednostavno čini ispravnom.
Za to nije potrebna intelektualna strogost, već vrsta kreativne neustrašivosti, kako je izraženo u njegovom najupečatljivijem aforizmu:
